CARLOS PRIETO

Por: Atom Egoyan *

Fuente: www.chloelapelicula.com

Buena puesta en escena, de en lo que se puede convertir una mirada indiscreta a los dispositivos móviles ajenos. La llamada a deshora, el chat, las fotos, etc.; pueden ser el detonante perfecto para generar un caos.

¿En que momento dejamos de ir a recogernos al aeropuerto?, ¿en que momento dejamos de llamarnos?. Carlos Prieto

Sinopsis

Catherine (Julianne Moore), una ginecóloga de éxito que lleva una vida acomodada, aunque monótona, junto a su marido David (Liam Neeson)y su hijo Michael (Max Thieriot), comienza a tener sospechas de que David la engaña. Tras conocer casualmente a Chloe (Amanda Seyfried), una joven y bella prostituta de lujo, decide contratarla para que seduzca a su marido y poner a prueba su fidelidad. Pero los relatos de los encuentros de Chloe con David no sólo prenden en Catherine la mecha de los celos, sino también una serie de deseos ocultos que la desconciertan. Atrapada en una telaraña de pasiones y sentimientos encontrados, Catherine descubrirá que en el peligroso juego de seducción de Chloe toda su familia está implicada.

* ¿Quien es Atom Egoyan?

Atom Egoyan es uno de los cineastas contemporáneos más célebres de la escena internacional. Sus largometrajes, marcados por un estilo muy personal y los numerosos proyectos relacionados le han servido para crear una gran obra que ha sido ampliamente aclamada por la crítica y que ha obtenido gran éxito comercial a nivel internacional. Atom ha sido galardonado en varios festivales internacionales de cine incluyendo el Grand Prix y el International Critics del Festival Internacional de Cannes y ha recibido dos nominaciones al Oscar por El dulce porvenir. En filmes anteriores, como Speaking Parts, El liquidador y Exótica, Egoyan profundiza en las relaciones íntimas, la situación de los desplazados y el impacto de la tecnología y medios de comunicación en la vida moderna. Estos asuntos han sido posteriormente tratados a lo largo de su carrera cinematográfica. Ararat, reflexión de Egoyan sobre el genocidio armenio que tuvo lugar en 1915, fue distribuida en más de treinta países. Asimismo, fue galardonada con varios premios entre los que se encuentran Mejor Película sobre Derechos Humanos del Political Film Society de Hollywood y el premio a la Libertad de Expresión del National Board of Review en Nueva York. Las adaptaciones cinematográficas de Egoyan también han sido objeto de alabanzas por parte de la crítica, tales como El viaje de Felicia y Where the truth lies, que fue premiada en la Feria del Libro de Frankfurt de 2006 como Mejor Adaptación Literaria Internacional a la Pantalla. Las películas de Egoyan han sido presentadas en numerosas retrospectivas y homenajes en todo el mundo, incluída una visión completa de su carrera en el Centro Pompidou de Paris en 2007.

Se han escrito muchos libros sobre su obra. Atom Egoyan e Ian Balfour editaron un libro muy interesante, una colección de ensayos sobre lo que hay detrás de los subtítulos SUBTITLES on the foreignness of film, publicado por MIT Press en 2004. La obra de Egoyan se ha expuesto en museos y galerías en Canadá y otros países, pasando por la Bienal de Venecia.

Egoyan ha recibido muchas distinciones a lo largo de su carrera. Fue presidente del jurado del Festival de Cine de Berlin en 2003 y ha participado en los jurados de Cannes, Venecia, Sundance y Toronto. Fue condecorado por el gobierno francés con la Orden de Caballero de Artes y Letras, ha recibido el premio Anahid Literary Award del Centro Armenio de la Universidad de Columbia y ha sido admitido en la Orden de Canadá. Asímismo, ha sido declarado Doctor Honoris Causa por varias universidades canadienses y en mayo de 2008 se le entregó el premio Dan David de la Universidad de Tel Aviv a la Recreación Creativa del Pasado, categoría que comparte con Amos Oz y Tom Stoppard.

Por: Sofía Gómez G.

Fuente: El Tiempo – Bogotá, Colombia

Durante meses, Alejandro Landes fue todos los días a la casa de Porfirio Ramírez Aldana en Florencia, Caquetá.

Aunque estaba reacio y contestaba por inercia a sus preguntas, el realizador intentaba convencerlo de hacer una película sobre cómo eran su vida y su dolor antes de que se hiciera tristemente célebre por ser el hombre en silla de ruedas que secuestró un avión de Aires en septiembre del 2005.

La perseverancia de Landes venció y ’Porfirio’, su segundo largo tras ’Cocalero’ -coproducción en la que participa Colombia-, verá la luz en el apartado Quincena de Realizadores, del Festival de Cine de Cannes, que comienza el miércoles.

“Al principio, él desconfiaba de mí. La relación surgió solo porque yo volví. Nadie más regresó”,recuerda el realizador nacido en Brasil y de madre colombiana, que se interesó por la historia después de verla en los medios.

‘Porfirio’ se basa en hechos y personas reales; incluso, quienes actúan son el mismo Porfirio, su hijo menor y una vecina. Sin embargo, el relato es una ficción que ahonda en la humanidad, la soledad y la frustración de este hombre humilde, de 56 años, que quedó parapléjico en 1991 al recibir un disparo durante un operativo de la Policía.

A raíz de las negativas del Gobierno de pagarle una indemnización, tomó la justicia por su cuenta. Después de lo ocurrido, tiene la casa por cárcel y sobrevive vendiendo minutos de celular.

“Todos estamos encarcelados en nuestro propio cuerpo. No quería hacer una pieza periodística más en un país donde hay tantas balas y violencia, sino retratar el dolor“, dice el director, vía telefónica, desde París.

Porfirio nunca leyó el guion, que Landes pulió durante su estadía en la Residencia de Cannes en el 2009.

“Antes de empezar a filmar, hice un ejercicio de observación y presencia con la cámara. Los puse a convivir a todos unas semanas antes, pero nunca con el propósito de que se convirtieran en actores porque no quería que tuvieran precocinados los sentimientos”, agrega el cineasta, que pasó cinco años madurando el proyecto.

Landes está contento con el filme, que terminó hace apenas unos días. Y habla del resultado: “Para mí, el cine no es de contar historias, sino de producir sensaciones. Lo interesante de esta película es que cuando la gente se encuentra con Porfirio, se da cuenta de que es mucho más cercano de lo que imaginaba”,dice.

Proyectos y cortos en el festival

Seis productores colombianos estarán en el Producers Network de Cannes para buscarles financiación a sus proyectos en el mercado del festival. Ocho cortos irán al Short Film Corner, entre ellos ‘María la ladrona’, de Helbert Antia. Jhonny Hinestroza irá al programa La Fabrique des Cinémas du Monde, con el corto ‘Cuando llegan los muchachos’.

Imágenes del filme ‘Porfirio’, que es dirigido por Alejandro Landes, en la dirección http://bit.ly/iXwFf7

Por: Paola Villamarín

Fuente: El Tiempo

El realizador francés Olivier Assayas llega al Festival de Cine de Cartagena un mes y medio después de haber recibido el Globo de Oro por su miniserie Carlos, sobre el hoy detenido terrorista venezolano Ilich Ramírez Sánchez, el ‘Chacal’.
Lejos de la postura que se podría imaginar en el ganador de un premio como el Globo, Assayas es un hombre sencillo que sonríe sin esfuerzo. Ha estado nominado tres veces a la prestigiosa Palma de Oro, en Cannes, y está abierto a recordar sus años como crítico de cine en la emblemática revista francesa Cahiers du cinéma y a advertir que el formato digital tiene sus peligros.

¿Qué nuevos retos le impuso ‘Carlos’?

Para mí, todo era nuevo, porque nunca antes había hecho una pieza basado en una historia reciente. Nunca había rodado una película que envolviera personajes de la vida real y que tuviera esa clase de mixtura entre países, culturas y actores. He hecho muchas películas en las que he necesitado descubrir nuevos espacios o nuevos terrenos, pero hacer Carlos fue tomar grandes riesgos. Era hacer una película de cinco horas y media de duración, con la complejidad de que la historia salta de un país a otro. Y la hicimos con un presupuesto relativamente pequeño. Es un presupuesto de tres películas francesas de televisión en París, pero, en este caso, teníamos escenas de acción y viajamos por el mundo.

¿Qué relación había tenido previamente con talento latinoamericano?

Nunca había usado el español en mis películas. Por muchas razones, siempre he sentido una relación cercana con la cultura latinoamericana. Mi padre había vivido en Argentina. Cuando crecí, siempre oí gente hablando español. Siempre ha sido parte de mi mundo. Esta oportunidad fue excitante porque pude poner dentro de una película algo a lo que siempre me había sentido cerca. Creo que por esa razón sentí como parte de mi familia a los actores Édgar Ramírez y Juan Acosta.

¿Cuando era crítico qué lo conmovió del cine latinoamericano? ¿Y qué lo conmueve hoy?

En la época en la que escribí ensayos sobre cine o crítica, a comienzos de los 80, la gran cosa era el descubrimiento del cine asiático. Fue el momento en el que la gente en Europa descubrió que en Asia había ese cine, que de hecho se estaban haciendo películas en China, Taiwán y Tailandia. Creo que fue a lo que más le presté atención, pero estaba interesado también en el cine latinoamericano. En ese tiempo se hablaba más del cine mexicano. Vi una retrospectiva de Emilio el ‘Indio’ Fernández e inclusive lo entrevisté en París. Yo estaba maravillado. Creo que es uno de los maestros del cine mundial. El más visible en esa época era Arturo Ripstein, a quien también admiro mucho. Hoy, el cine latinoamericano es uno de los más excitantes y vivos de la cultura mundial, pero de Colombia no he visto nada.

Hoy, a ciertos directores no les gusta ver películas. ¿Le parece un contrasentido?

No lo es. No me considero un cinéfilo, pero veo muchas películas porque soy curioso. Me interesa saber qué ocurre en la cultura del cine, pero cuando hago mis cintas, cuando las dirijo y las escribo, mi referencia no son las películas, sino la vida real. No quiero hacer películas que estén basadas en la cultura fílmica, sino en mi experiencia del mundo. Las emociones que tenemos en la vida real son mucho más fuertes, al final, que el arte que encontramos o absorbemos. Cuando dirijo a un actor no le digo, haz como el actor de Alfred Hitchcock. Yo les digo: ‘Traten de ser genuinos, de ser honestos, de ser ustedes. No piensen en las películas ni en la actuación’. Puedo entender que los cineastas no quieran ver películas.

Usted no hace ensayos con sus actores.

No ensayo ni hago lecturas con los actores. Para mí la cuestión es decidir con qué actor o actriz voy a trabajar. Una vez lo decido, siento que ya tengo la mitad del trabajo hecha. No funciono con los actores porque ellos son buenos actores, sino porque conectan con el personaje o conmigo. Necesito confiar en individuos. En lo que creo es en la espontaneidad. Siento que eso pasa solo cuando el actor dice la primera línea delante de la cámara. Con frecuencia, me quedo con la primera toma.

Usted hizo ‘Clean’ con Nick Nolte, ¿cómo fue?

Yo estaba asustado porque él es un actor de Hollywood. Yo me preguntaba cómo se iba a adaptar, cómo íbamos a funcionar juntos, pero instantáneamente conectamos. Con los buenos actores lo que pasa es que entienden lo que estás diciendo. Al final, estaba impresionado con él. Él funciona exactamente como yo: es excelente en la primera toma, en la segunda y en la tercera, pero después se aburre. Y odia ensayar.

Tiempo después de ser crítico, cuando estrenó ‘Los destinos sentimentales’, usted dijo que ya no quería hacer películas para cinéfilos. ¿Fue esto una ruptura en su carrera?

Comencé como pintor y la razón por la cual me metí a hacer películas fue porque siempre quise hacerlas, pero también porque tenía la idea de que las películas eran una forma moderna de arte que conectaba con la gran audiencia. La cultura del cine no se debe cerrar en sí misma porque, al final, la relación se vuelve incestuosa: haces películas para tus amigos o para la gente que piensa lo mismo que tú piensas, y eso es muy poco interesante, porque la idea siempre es confrontar ideas con gente que tiene otras perspectivas.

Hay debates sobre la conservación del video en el tiempo. De hecho, usted hizo ‘Carlos’ en 35 milímetros.

Es extremadamente importante, inclusive si alguien rueda en digital, tener un negativo de 35 milímetros;  es vital. Porque hasta este punto no sabemos cómo se va a preservar lo digital. Lo digital son números, pero los softwares cambian muy rápidamente. Inclusive, las máquinas para ver lo que se grabó en video hace 20 años ya no existen.

Los grandes estudios lo saben y por eso todas sus películas tienen negativos en 35 milímetros. Tenemos una historia del cine de más de un siglo y sabemos que podemos guardar ese formato. El problema serán las películas pequeñas, independientes, que no tengan dinero para transferirse a 35. Esas se van a perder.