CARLOS PRIETO

Fuente: Semana

Si usted fue a cine con frecuencia, durante este 2009 que está terminando, fue testigo de algunas de las producciones más originales que se han filmado en el mundo en mucho tiempo. Estas son las 10 más evidentes.

1. ‘Gran Torino’ (EUA) de Clint Eastwood: el icónico Eastwood ha vuelto a filmar, a los 78 años, un pequeño clásico, simple en el mejor sentido de la palabra, que contiene las obsesiones que lo han acompañado como director: el pasado, la culpa y la redención.

2. ‘La duda’ (EUA) de John Patrick Shanley: con la ayuda de un elenco insuperable, el dramaturgo neoyorquino, autor de Hechizo de luna, convierte su propia obra de teatro en una gran película que da cuenta de las ambigüedades morales de nuestros tiempos..

3. ‘La clase’ (FRA) de Laurent Cantet: de la mano de un profesor de escuela pública, el señor Marin, somos testigos de que los conflictos que suceden en un salón de clases son los mismos que sucederán, muy pronto, en los tensos escenarios del mundo.

4. ‘¿Quieres ser millonario’? (ING) de Danny Boyle: este habilísimo melodrama, editado con una destreza pocas veces vista, es una fábula ejemplar que prueba que la gente es capaz de hacer muchas más cosas por amor que por dinero.

5. ‘Sector 9′ (NZ-EUA) de Neill Blomkamp: esta extraordinaria película de ciencia ficción nos advierte que el futuro de la humanidad será idéntico al pasado: que, en muy pocas palabras, haremos lo que podamos para someter a los demás.

6. ‘Vals con Bashir’ (ISR) de Ari Folman: una proeza cinematográfica, un documental animado con cara de novela gráfica, que recuerda que el cine es un lenguaje plagado de posibilidades y que el arte es una buena manera de decir lo que aún nadie ha dicho.

7. ‘Al otro lado’ (ALE-TUR) de Fatih Akin: el director de Contra la pared ha hecho su mejor película hasta el momento: seis personajes tristes, entre Bremen y Estambul, son obligados a reconocer que la vida siempre está a punto de suceder.

8. ‘Ponyo’ (JAP) de Hayao Miyazaki: a partir de las leyendas del mar, y de un relato clásico de Hans Christian Andersen, el más grande director de cine animado de las últimas décadas presenta esta fábula sobre por qué el amor sí le sirve a la Tierra.

9. ‘Hace tiempo que te quiero’ (FRA) de Philippe Claudel: Claudel, un respetado novelista francés, se juega el todo por el todo con este drama discreto, a la Tennessee Williams, que contiene una inmensa actuación de Kristin Scott Thomas.

10. ‘Up’ (EUA) de Pete Docter: los primeros 15 minutos de esta comedia animada, una combinación perfecta entre el mundo de Disney y el mundo de Miyazaki, prueban que el cine está comenzando a pensar en nuevas maneras de contar historias.

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Por: Luis Fernando Afanador

Fuente: Semana.com

Me han dicho que los pecados de mi padre es un buen documental. Lo iba a ver el viernes pero se me atravesó otra película: Cinco días sin Nora . Excelente, no se la pierdan por nada. Cuando uno se le atraviesa otra película es porque no está muy convencido de ver la que iba a ver. Sí, puede ser buena e interesante, pero da algo de pereza verla. En mi caso, quisiera resolver algunas dudas.

1. Sebastián Marroquín era un nombre para tener el derecho a otra vida en otra ciudad, para no ser más el hijo de Pablo Escobar. Pero cuando el hombre aceptó aparecer en un documental como el hijo de Pablo Escobar para reconciliarse con los hijos de unas de sus víctimas (qué casualidad, las más famosas y las más importantes políticamente hablando) la cosa cambia por completo. Primero, el cambio de nombre se vuelve inmediatamente ridículo, es como si saludara: “Mucho gusto, soy Sebastián Marroquín, el hijo de Pablo Escobar”.
2. ¿El acto de perdón fue sincero o fue para las cámaras, para lavar la imagen? Es importante saber esto. Es muy distinto arrepentirse como un anónimo Sebastián Marroquín en Buenos Aires y pedir perdón a los hijos de las víctimas fuera de cámaras. No olvidar: es que vino “a promocionar su película”, como si fuera un actor. Hay ahí algo que no cuadra. O fuera de foco.
3. Aparte de Popeye, que es siempre sospechoso, hay gente que insiste en que Sebastián Escobar -dejémoslo así, mitad real, mitad ficticio- no era una inocente criatura. Es imprescindible saber eso a ciencia cierta porque cambiaría nuestra apreciación sobre su testimonio y el documental ¿No tiene derecho al perdón? Claro que sí, pero tendría que ser de otra manera, no en todo caso así, en el cine, tan olímpico. Así como no debe pagar por los pecados de su padre, debe responder por los suyos. Con el mal funcionamiento que ha tenido en Colombia la ley de Justicia y Reparación, con los arrepentimientos a medias de los paramilitares, no basta y nos sobra.

Insisto, no la he visto, es un prejuicio, pero lo comparto porque he visto que mucha gente tiene también serias reservas al respecto. Pronto la veré y les contaré mi opinión. Con una cartelera tan mala como la actual, es difícil que se atraviese otra película.

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Por: José Daniel Paternina

Hace una semana vi ‘This is It’. Esperaba un musical hedonista sobre Michael Jackson hecho por y para fans. Pero no. No fue eso.

Cuando tenía 12 años Michael me caía bien. Confieso que podía estar horas viendo el video de Smooth Criminal en la TV, y que una vez, me ví un especial de 3 horas sobre su vida musical. Pero todo cambió a raíz de la parafernalia mediatica que le colgaron para dañarle la imágen. Su cambio de color, el show de la pedofilia, la nariz, la nariz…

Lo admito. Hace una semana odiaba a Michael. No había nada más que ver en el cine. Y decidí entrar a ver This is It.

Advertencia: Spoilers. Lea bajo su propia cuenta y riesgo.

This is It no es una biografía sobre Michael. Es un documental hecho con tomas improvisadas sobre un concierto que nunca vio la luz. Desde la selección de los bailarines hasta el acto final, la petite morte, pasando por todas las canciones que todos hemos escuchado.

Sobre los talentos de Michael ya todos sabemos de sobra: bailaba, cantaba y se vestía de manera extravagante. No voy a hablar de eso. Lo realmente conmovedor de la película fué ver como Michael se desenvolvía en su rol de adulto. En la vida real solo conozco a un par de personas con la determinación con la que Michael se dejó ver flotar entre bambalinas. No me hubiera gustado tenerlo como jefe. Su psicorrigidez y su hambre por la excelencia, por el tradicionalismo, por el respeto a las emociones, lo hacía un personaje de admirar. Luego me convertí: fuí fan de Michael otra vez.

No puedo escribir mas carreta sobre este film, no soy capaz. No hay cómo, o sobre qué. Solo puedo darle dos consejos al lector: no se lo pierda y sobre todo, no lo compre pirata. Veala en cine, vale por diez el valor de la entrada.

Lo bueno:

• Usted le perderá el odio mal fundado a Michael.
• El sonido.
• La escenografía.
• ¡Todo!

Lo malo:

• Uno de las cámaras no era 16:9 sino 4:3 y el ojo se confunde más de una vez al ver la pantalla (realmente esto es una excusa para llenar el espacio).

Lo feo:

• La tipografía que usaron para cerrar el acto (otra excusa).

Calificación: 5/5

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Por: José Daniel Paternina Soto

Bastardos sin Gloria es la nueva cinta de Quentin Tarantino sobre la que Pocho habló hace algún tiempo en este blog.  De Tarantino no veíamos nada desde Grindhouse (Death Proof), pero hace unos meses este trailer apareció rodando por la internet y todos nos emocionamos:

Como es común previo al lanzamiento de cualquier película de Tarantino, el hype no se hizo esperar. Cuando la película fué pre-estrenada en Cannes, la crítica no la trató muy bién. Pero antes de llegar a las salas, Tarantino la re-editó y el resultado es un film lleno de sorpresas.

A partir de aquí usted encontrará spoilers (información que podría dañarle la película), así que queda advertido. Lea bajo su propia cuenta y riesgo.

Bastardos sin Gloria es una cinta arrogante en la que Quentin Tarantino le grita al mundo que definitivamente sabe cómo hacer cine. E indiscutiblemente lo sabe hacer.

La película no es sobre una banda de matones sanguinarios que están detrás del ejército Nazi,  como el trailer deja entrever (primera sorpresa). Una vez más, es sobre venganza, como Kill Bill:

Shosanna Dreyfus es una hermosa jóven francesa de ascendencia judía cuya familia es asesinada de manera salvaje por el malévolo coronel nazi Hans Landa. A Shosanna la posee una insaciable sed de venganza, por lo que ahora aprovechará su posición y sus dotes para ejecutar una pintoresca venganza en la que planea deshacerse de tantos nazis como le sea posible.

Como notará el lector, no he mencionado a Brad Pitt y sus bastardos sin gloria, protagonistas del trailer. Tarantino los utilizó como carnada para hacer que la gente fuera a ver su película. Ellos son divertidos, pero realmente, son un elemento auxiliar que funciona como conector del argumento en el film. Segunda sorpresa.

Por otro lado, el trabajo de los actores es impecable. No hay personaje que no llegue a ser amado u odiado en extremo durante los 153 minutos que dura la película. Tercera sorpresa. Confieso que siempre había pensado que Brad Pitt era otro actor más, famoso por su apariencia, pero luego de ver esta película, me trago mis anteriores juicios y me paro a aplaudirlo. Aún así, las ovaciones se las lleva Christoph Waltz (Hans Landa), y qué decir de la hermosísima Mélanie Laurent (Shosanna).

La película como tal está ensamblada con precisión quirúrgica. Es impresionante como el director logra desesperar a la audiencia con escenas que asfixian por su contexto, pero que a su vez mutan en el tiempo y logran un efecto orgásmico en la mente del espectador. Si, me refiero a la escena del bar.

Definitivamente, una obra maestra.

Lo bueno:

• El reparto, cada actuación es impecable.
• La fotografía, preciosa. La sangre brilla de manera espectacular esta vez.
• La historia. Apuesto a que nadie se la espera antes de entrar a la sala.

Lo malo:

• El patetismo de Fredrick Zoller. Es tan patético que es genial.

Lo feo:

• La crueldad de algunas tomas. Pero eso es normal en Quentin.

Calificación general: 4.9/5

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Por: Tomas Eloy Martínez

Fuente: El Espectador

El éxito desmesurado de Twlight (“Crepúsculo”), primer volumen de la saga todavía inconclusa de Stephenie Meyer, ha resucitado el mito del vampiro, que alude al afán de inmortalidad de los seres humanos y a la búsqueda de respuestas en el más allá de los problemas que no se han podido resolver en el acá de la vida.

Las cuatro novelas que Meyer dio a conocer hasta ahora, han abierto las compuertas a un torrente de continuadores del conde Drácula. La mayoría introduce pocas variantes en las ya clásicas historias de Bram Stoker y Sheridan Le Fanu, que iniciaron el género en la Inglaterra victoriana.

Es una lástima que esa generosa moda haya olvidado a Henry James, cuyos vampiros no beben la sangre de los seres humanos ni salen de sus tumbas cuando cae la noche. Son más sutiles e inteligentes: No les interesa la inmortalidad, sino el dominio absoluto del ser amado.

Entre 1881 y 1904, Henry James publicó una docena de novelas que llevaron el género a su estado de perfección y lo prepararon para las transformaciones del siglo XX. Ya es un lugar común afirmar que James es una de las piedras fundamentales de la narración moderna, junto con Marcel Proust, Franz Kafka y James Joyce. Se ha ponderado la precisión algebraica de sus intrigas, el hábil desarrollo de las anécdotas laterales y la elección de un punto de vista dominante para ordenar todas las jerarquías del relato.

Pero quizá el aporte central de James a la novela sea la creación de realidades que están siempre en duda. Todo lo que sucede podría ser de una manera o de otra. El lector, así, tiene que decidir cuál es el verdadero lugar de cada cosa y cuándo los sentimientos se desvían de su cauce y se vuelven nada.

Cierta incomodidad lo aquejaba al narrar la vida sexual de sus personajes. El vampirismo fue uno de los procedimientos oblicuos que le permitieron hacer pie en el tema. En Washington Square (1881), el vampiro Morris Towsend es ahuyentado, un paso antes de apoderarse de su presa, por las intrigas de Lavinia Penniman, tía de Catherine Sloper, la víctima. Cuando Catherine trata de recuperarse, la decepción y los años la han marchitado, y Morris, mientras tanto, ha perdido por completo sus habilidades de seducción.

En The Turn of the Screw (“Otra vuelta de tuerca”), 1898 , la posesión de los niños por los espíritus del Mal —el fantasma de los criados— asume una forma que parece sexual; en The Ambassadors (“Los embajadores”), 1903 , una mujer inteligente y de buen gusto se vale del sexo para transmitir esas cualidades a su amante vulgar.

Pero la apoteosis del vampirismo es The Sacred Fount (“La fuente sagrada”), 1901, una novela breve que los contemporáneos de James pasaron por alto porque la consideraban sólo un juego de espejos en los que no se reflejaba la realidad. Quizá no sea casual que The Sacred Fount haya sido escrita en una habitación privada del Reform Club, desde la cual James pudo observar los funerales de la reina Victoria. Toda una época llegaba a su fin.

James no describe ni da el nombre del narrador de su novela. Lo presenta de manera difusa cuando toma el tren a Newmarch en la estación de Paddington. Ha sido invitado a Newmarch a pasar el fin de semana. En su mismo vagón viaja Gilbert Long, a quien el narrador ha visto siempre como un idiota fatuo, y también la señora Brissenden, que ha ganado en belleza y juventud desde la última vez que se cruzó con ella. Al narrador lo confunde esa transformación. ¿Cómo es posible que la Sra. Brissenden, una mujer tan gris y poco atractiva, se haya embellecido en plena madurez? ¿Cómo puede haber alcanzado una segunda juventud?

Por la conversación entre Long y el narrador, el lector se entera de que ella se ha casado con un hombre mucho más joven. Tiene más de 40 años, pero parece de 25. A su vez Long, que ha sido un “Adonis vulgar y antipático”, no sólo se ha vuelto cordial, sino que también muestra signos de agudeza e inteligencia. Cuando los personajes llegan a destino, el tema central del libro ya ha sido desplegado por completo. La Sra. Brissenden parece haber drenado la lozanía de su marido al volverse más joven y más hermosa.

Pronto el narrador pone su atención en otra mujer, May Server, quien podría ser la fuente de la juventud mental de Long. Éste ha pintado su retrato cuando ella era una mujer de gran belleza y paz; ahora coquetea incansablemente con todos los hombres de la fiesta, en un esfuerzo patético por encontrar los despojos de esa belleza en la mirada de los otros.

De las ambigüedades de Henry James es posible deducir no sólo una estética, sino también una metafísica. Todo lector familiarizado con The Turn of the Screw, Daisy Miller (1879), The Portrait of a Lady (“Retrato de una dama”), 1881, y Washington Square —sus obras más difundidas— sabe que ninguna de ellas tiene un solo sentido y que sólo en la ambigüedad encuentran su razón de ser.

De la misma manera, la idea de inmortalidad que inquieta a James alude a la inmortalidad de la conciencia. Para un espíritu tan poco religioso como el suyo, la muerte es “conclusión y extinción bienvenida” o bien, por el contrario, es “renovación del interés y del deseo”.

Por su complejidad y la delicadeza de su ejecución, la obra de James tiene pocos herederos. Hace tres décadas, alguna crítica inglesa supuso que The Sleepwalkers (“Los sonámbulos” – Die Schlafwandler), 1932, del austriaco Hermann Broch, podía ser un derivado del último James.

Más próximos a su espíritu están ciertos latinoamericanos taciturnos como el autor argentino José Bianco, el escritor mexicano Sergio Pitol y el argentino Adolfo Bioy Casares, escritor de Moscas y arañas.

La grandeza de James está hecha de omisiones y de inexistencias, y lo no dicho enriquece sus ficciones más que lo dicho. En épocas tan poco propicias para las elipsis como las que le sucedieron, el ejercicio de un arte como el suyo parece poco posible.

James condujo la novela a uno de sus límites, agotó ese límite mediante una incesante exploración y saltó al otro lado. Para seguirlo en la aventura habría sido preciso tener su genio, vivir su vida, escribir por segunda vez sus ficciones.

Tomas Eloy Martínez: Novelista y periodista argentino.

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Más chavista que Chávez

En South of the Border, su más reciente documental, el director Oliver Stone presenta una ingenua visión de la realidad.

Oliver Stone se hizo famoso por mostrar una visión oscura y paranoica de la realidad de Estados Unidos durante los años ochenta y noventa. Sus filmes pretendían enseñar el lado oculto de algunos de los hitos de la historia reciente estadounidense: la guerra de Viet Nam (Platoon y Nacido el cuatro de julio), el auge del rock (The Doors), los excesos de los medios (Asesinos por naturaleza) y del capitalismo desaforado (Wall Street). El cine de Stone fue reconocido por su valentía y por su acertada lectura de los eventos políticos y sociales.
Sin embargo, sus más recientes películas, Alexander, World Trade Center y W. fueron destrozadas por la crítica y un fracaso en taquilla.

Su último trabajo, el documental South of the Border fue presentada en el pasado festival de Venecia y pretendía ser una ácida interpretación de la realidad latinoamericana y de la ingerencia del gobierno de Estados Unidos en la región. Stone decidió construir todo su discurso a partir del personaje que a él le parece el más complejo, y que sintetiza la problemática del continente: el presidente de Venezuela, Hugo Chávez.

Durante más de un año, Stone se reunió con Chávez y lo entrevistó varias veces. El venezolano recibía al director como si se tratara de un jefe de Estado y dedicaba horas enteras a explicarle su política y mostrarle cómo ha cambiado su país durante su larguísimo gobierno. Stone también visitó a los aliados de Chávez en la región —Evo Morales, Rafael Correa, Cristina y Néstor Kirchner, Fernando Lugo y Raúl Castro, todos ellos, por supuesto, no ahorraron ningún halago para su amigo venezolano.

Aunque la película todavía no se ha estrenado ya se pueden ver algunos fragmentos en Youtube y el trailer oficial. Justamente se ve a Stone que acompaña a Chávez en un recorrido por Venezuela y que entrevista a los líderes de la región. Durante la charla con Evo Morales —ambientada con una simpática música andina—, Stone le pide que jueguen futbol. El presidente de Bolivia intercambia algunos pases con el director en el jardín de su residencia. Stone compara a Chávez con Fidel Castro y dice que se ha convertido en una amenaza real para Estados Unidos, pues —a diferencia de Castro— tiene los medios y el poder para llevar a la región a un “verdadero cambio”. El trailer termina con el presidente diciéndole a su amigo Stone: “Sí se puede, Oliver”.

Al estreno en Venecia, Stone llegó acompañado de Chávez. Ambos iban vestidos igual: con trajes oscuros y corbatas rojas, para mostrar que eran “hermanos”. Durante la rueda de prensa el director esquivó las críticas que le hicieron los periodistas diciendo que él sólo había retratado a un visionario y no al villano que creó el gobierno de su país. También quiso mandarle un mensaje a los gobiernos latinoamericanos, como México y Colombia, que no apoyan el proyecto chavista:

“Despierten —dijo Stone indignado—, Chávez no es el enemigo. Los enemigos están más al norte”. Chávez, por su parte, sólo dijo que estaba muy complacido y que le parecía que Stone era un genio.

Stone se dejó seducir por un imaginario falso de Latinoamérica, donde hay héroes oprimidos que luchan contra el sistema, y no vio los graves errores de Hugo Chávez. Y en su afán de escandalizar, hizo un documental simplista, folclórico y desactualizado.

Tomado de Gatopardo

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Dirección: Quentin Tarantino 
Guión: Quentin Tarantino 
Reparto: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Jacky Ido, B.J. Novak, Omar Doom
Fotografía: Robert Richardson 
Montaje: Sally Menke 
Música: Varios 
Arte: David Wasco 
Productores: Lawrence Bender, Christoph Fisser, Henning Monfelter 
Productores ejecutivos: Bob y Harvey Weinstein 
Productora: A Band Apart, The Weinstein Company

Bastardos sin Gloria, el doctorado de un desquiciado glorioso (By. Oscar Tapia Campos)

Quentín Tarantino se ha doctorado como loco, psicópata, criminal y genio con su película Bastardos sin Gloria, la primera cinta proyectada en el VII Festival Internacional de Cine de Morelia, un día antes de su inauguración, en función de prensa.

Si todos los psicópatas fueran cineastas, tendríamos un mundo mejor y seríamos realmente humanos. Prueba de ello es que existe Quentín Tarantino, un loco peligroso que descarga en el cine su cauda agresiva, opresiva, destructiva y letal.

Gracias al cine, el centro psiquiátrico se quedó sin un habitante y el séptimo arte le abrió las puertas a un genio, a un guionista alucinado que tiene una habilidad especial para construir y destruir espectacularmente en un mismo plano e instante.

Si Freud y el psicoanálisis no se equivocan, Tarantino es un psicópata, sin embargo sus alucinaciones las ha elevado a la calidad del arte y a través de éste hace y deshace todo lo que los trastornos motivan en un destructor mesiánico.

De ahí sus películas Perros de Reserva, Pulp Ficción, Kill Bill 1 y Kill Bill 2.

De ahí también Bastardos sin Gloria, la película que yo observé el viernes anterior en Cinépolis Morelia Centro, misma con la que un día después también se inauguró la fiesta del séptimo arte en esta ciudad, campana de coral ceniciento. De ahí, exactamente, de ese tipo de genialidad que desde siempre también es sinónimo de locura.

Bastardos sin Gloria es una historia que le dice al principio del rigor histórico: “Ni parientes somos”. No, no lo son, porque se trata de una versión y visión libérrima en contra del crimen de lesa humanidad encabezado por otro loco genial.

Si Adolfo Hitler hubiera sido cineasta, Quentín Tarantino habría sido inventado durante la Segunda Guerra Mundial y hoy estaríamos hablando de un guionista y no de un criminal diabólico que odiaba de manera exacerbada a los no arios.

Total, que Bastardos sin Gloria es una especie de venganza de los judíos, según Tarantino, porque les dio perfiles psicológicos criminales tanto o más detestables que los que eran propios y particulares de los nazis, habida cuenta de que eran más feroces, más sádicos y más despreciables que los seguidores del führer.

La película de Tarantino, estelarizada por Brad Pitt, reúne muchos recursos taquilleros: color, humor, amor y dolor. Todo desde el rojo violento de la sangre a borbotones, el amarillo luminoso del ingenio humorístico, el verde esplendente del suspenso bien llevado, el azul atrayente de los diálogos brillantes, digeridos y, además, el estallido naranja del clímax y la muerte espectacular, cruel, ensangrentada y bifurcada.

Tarantino tiene muy bien estructurada su fórmula: Violencia por violencia más humor y muerte masiva. Es así como en el cine vuelca sus horrores y terrores que alimentan su mente destructora. Por eso Bastardos sin Gloria es más que la venganza de los judíos, la venganza de Quentín Tarantino. Una venganza muy bien planeada, pensada, madurada durante diez años y resuelta magistralmente con todos los efectos especiales que permite el cine de hoy.

Venganza que lleva hasta las últimas consecuencias, como es la incineración de 300 nazis, entre los que estaba Hitler, al que también quema vivo y lo hace volar en millones de fragmentos, igual que a todos los demás.

De un plumazo, Tarantino cambió la historia por el puro placer de ser él quien le dio muerte a Adolfo Hitler y a sus cientos de colaboradores más cercanos.

Así de terrible es la mente de Tarantino, así de genial.

Y estuvo en Morelia para el estreno en México de Bastardos sin Gloria.

Su estancia, aunque corta, alteró a los morelianos que pudieron verlo o saberlo más o menos cerca. Por no decir que los enloqueció o los entarantinó.

Por eso habrá que concluir a la manera siguiente: Sí, esos judíos, los de él, son Bastardos sin Gloria y, Tarantino, es un desquiciado glorioso. Sí. Así sea.

Tomado de : www.oem.com.mx/elsoldemexico

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Sorprendente !!! ¿Alguno creerá que es circunstancial, que la puesta en escena de esta producción sea en Johanesburgo? Pocho

Antes de que vean este excelente film, les recomiendo se tomen un minuto para leer esto:

El apartheid es el resultado de lo que fue, en el siglo XX, un fenómeno de segregación en Sudáfrica implantado por colonizadores holandeses Bóeres en la región, como símbolo de una sucesión de discriminación política, económica, social y racial. Fue llamado así porque significa “segregación”. Este sistema consistía básicamente en la división de los diferentes grupos raciales para promover el desarrollo. Todo este movimiento era dirigido por la raza blanca, que instauró todo tipo de leyes que cubrían, en general, aspectos sociales. Se hacía una clasificación racial de acuerdo a la apariencia, a la aceptación social o a la ascendencia. Este nuevo sistema produjo revoluciones y resistencias por parte de los africanos.

El apartheid fue una serie de actos de racismo practicado en Sudáfrica durante muchos años, pero no fue sino hasta 1948 que tomó forma jurídica al ser respaldado por leyes promulgadas a tal efecto. En las elecciones de 1947, el radical Partido Nacionalistaganó las elecciones en una coalición con el Partido Afrikáans, dirigido por el pastor protestante Daniel François Malan. Por una perversión de la ley electoral, que le dio mayoría a pesar de obtener menos votos, que su rival, el Partido Unido, igualmente ocurrió en1953.

Poco después de ganar se segregó a cada individuo de acuerdo a su raza. Una ley promulgada en 1950 reservaba ciertos distritos en las ciudades donde sólo podían ser propietarios los blancos, forzando a los no blancos a emigrar a otros lugares. Las leyes establecieron zonas segregadas tales como playas, autobuses, hospitales, escuelas y hasta bancos en los parques públicos. Los negros y demás gente de color debían, por otra parte, portar documentos de identidad en todo momento y les estaba prohibido quedarse en algunas ciudades o incluso entrar en ellas sin el debido permiso.

Tomado de Wikipedia

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La cinta que cuenta con la actuación de Benicio del Toro, Sir. Anthony Hopkins,  Emily Blun y Hugo Weaving; se estrenará en 2010.

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Walt Kowalski es un hombre sin paz. Viudo, solitario, cascarrabias y racista, que no entiende los cambios que ha sufrido el entorno social en el que vive. Intolerante con sus hijos, con su nieta, con sus vecinos de origen oriental, con el párroco local, encuentra en las armas el único escudo que le queda para defender lo suyo, su estilo de vida y sus recuerdos.

Pero Walt Kowalski no puede luchar solo contra el mundo. A su pesar, se reconoce enfermo, envejecido y de alguna forma frágil ante una atmósfera violenta que quizá supere sus fuerzas. Este veterano de Corea verá que tiene que ceder, que tanta ira y tanta frustración pueden ser canalizadas y convertidas en una fuerza que transforme, que toque vidas ajenas, las de improbables herederos de un legado forjado con años, valor y templanza. Luchó por su patria alguna vez y ahora tiene -en el tramo final de su vida- la oportunidad de un acto heroico, de inspirar a otros, de dejar una huella. Es hora de ser, para alguien más, el padre que ante sus hijos nunca fue.

Clint Eastwood dirige, produce y protagoniza Gran Torino (2008). Él es el señor Kowalski: estamos seguros de que no nos permitiría llamarlo por su nombre de pila. Mezcla de enfado crónico, rabia mal contenida e intemperancia, sin embargo el personaje se llena del carisma de Eastwood y por eso podemos a la distancia comprenderlo y hasta sentir un poco de compasión por su soledad elegida, así a veces se nos parezca demasiado a Harry Callahan, ese Harry el sucio implacable que él representó en el cine. Kowalski es el último de su especie, tal como su automóvil clásico, ese Gran Torino modelo 1972 que está ahí en su garaje como testimonio de otras épocas más felices.

Pero nada dura para siempre y Walt Kowalski debe aceptarlo. Asistimos al difícil camino de esa aceptación que se asocia a la búsqueda inesperada de un heredero digno de su confianza, digno de sus enseñanzas de vida, a lo mejor burdas y rudas, pero llenas de la honestidad de un hombre que siempre ha vivido al amparo de sus creencias personales y de la defensa de sus propios derechos.

Clint Eastwood nos cuenta esta historia del otoño de una vida con la misma dignidad que hubiera querido el señor Kowalski. Sin rodeos, sin distractores, sin estridencias, con la limpieza del cine clásico que él representa y en el que también va quedando solo. Cercano a los 79 años, su filmografía ha adquirido con cada nueva película un decoro y una mesura que sólo dan los años. Sus películas son su inmenso tesoro, su Gran Torino curtido por las horas en la carretera y la experiencia, pero aún brillante y majestuoso.

Tomado de El Tiempo (19/03/2009)

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